Ulé Baldé e a construção de uma carreira entre o cinema e o streaming

Nascida na Guiné-Bissau e radicada no Porto, Ulé iniciou o percurso nas artes visuais antes de chegar ao cinema e à televisão. A formação em Artes e Design e a especialização em Ilustração ofereceram-lhe as noções básicas de construção de imagem, composição e narrativa pictórica, mas foi no teatro que encontrou a possibilidade concreta de expressão profissional. 

“Fui-me descobrindo e percebi que o palco era o lugar onde eu conseguia ser quem eu quisesse”, conta a propósito dos primeiros passos. Apesar da descoberta progressiva, a atriz vê o teatro como  um espaço onde o corpo e a palavra ampliam aquilo que antes se resolvia na superfície do papel. Influenciada por figuras como Paula Rego e Viola Davis, tem nas referências o equilíbrio entre os dois mundos: de um lado a matriz estética que recusa a complacência e insiste na criação de personagens densas, do outro um percurso de afirmação sustentado na vulnerabilidade e na possibilidade de incorporar o pessoal como carga dramática.  Ainda assim, quando fala de método, desloca o foco para o terreno concreto: “A minha maior referência são as pessoas reais que conheci a trabalhar nos sítios onde estive. Foram elas que me ensinaram humanidade”, assume numa lógica em que o quotidiano surge como laboratório de observação.

Na construção das personagens, o processo começa por pesquisa – vídeos, contextos, referências –, mas não se esgota aí. “Eu posso vir com uma referência, mas depois tudo muda estando num sítio específico onde vou gravar.” O espaço, a relação com os colegas e as indicações do realizador introduzem variações que obrigam a reajustar intenções e a personagem constrói-se como um puzzle cujas peças se vão encaixando ao longo da rodagem.

Foi essa visão que transportou para a estreia no cinema, em 2022, quando integrou o elenco de Nação Valente (Tommy Guns), do realizador Carlos Conceição. Ainda a concluir a licenciatura, não esconde ter-se sentido “atirada aos leões”: além de ser a primeira produção, o projeto estava inscrito no circuito internacional – foi selecionado para a competição internacional do Festival de Cinema de Locarno na qual viria a vencer o Prémio do Júri Jovem. Na obra, Ulé deu corpo à personagem Tchissola, “uma menina tribal que descobre o amor e a morte quando o seu caminho se cruza com o de um jovem soldado português”. O trabalho valeu-lhe, em 2024, o Prémio Nico da Academia Portuguesa de Cinema, distinção atribuída a novos talentos com potencial de continuidade, numa edição que distinguiu também Salvador Gil e Rúben Simões.

Seguiu-se Primeira Obra (2023), de Rui Simões, onde interpretou uma ativista num registo marcado pela improvisação. Para sustentar a personagem, estudou intervenções públicas de Greta Thunberg, com o objetivo de  compreender a cadência e a convicção sem recorrer à imitação. “Uma coisa é termos um guião e seguirmos o que lá está. Outra é improvisar”, resume, sem descurar o papel do realizador a quem agradece a possibilidade de experimentação naquele que considera ter sido “um desafio enorme.” Nos últimos anos, integrou elencos de projetos de relevância no cinema nacional e internacional. Após Primeira Obra, entrou na curta-metragem Bad for a Moment, de Daniel Soares, distinguida com Menção Especial no Festival de Cannes 2024. Mais recentemente, participou em Magalhães, do realizador Lav Diaz, que estreou em Cannes 2025 e foi o filme escolhido pelas Filipinas para a corrida aos Óscares.

Em paralelo, a participação em Morangos com Açúcar colocou-a num território distinto, não apenas pelo alcance mediático, mas pelo tipo de público que convoca. Se o cinema de autor circula sobretudo em festivais e salas específicas, a televisão – agora também consumida em ambiente digital – entra em casa, atravessa gerações e cria um contacto mais imediato com quem vê, diferença que reconhece sem hierarquizar os meios. “Abre-nos a públicos que se calhar não iriam a um festival de cinema independente”, observa, sublinhando que a visibilidade televisiva tem uma dimensão transversal que o circuito cinematográfico nem sempre atinge em Portugal.

As diferenças, porém, não se resumem só à audiência e para a atriz, a questão central está no tempo. “No cinema há mais contemplação”, afirma, ao referir-se à possibilidade de trabalhar silêncio, pausa e subtileza. “Há um tempo de realização maior.” A câmara, diz, permite que a emoção seja lida num olhar, sem necessidade de amplificação. Já na televisão o ritmo é outro e as gravações fazem-se fora de sequência narrativa, o que implica ter interiorizado todo o arco emocional da personagem antes de entrar em cena. “É uma grande ginástica”, resume, numa referência à rapidez exigida e à precisão emocional que tem de surgir quase sem margem para erro.

A alternância entre o tempo dilatado do cinema e a cadência acelerada da televisão obrigou-a a ajustar método e concentração. Se em Nação Valente trabalhou a contenção perante uma câmara que capta mínimos gestos, em Morangos com Açúcar teve de responder a um sistema de produção onde se pode gravar, no mesmo dia, uma cena de rutura e outra situada num momento anterior da narrativa. “Temos de ser orgânicos e presentes”, explica, referindo-se à necessidade de manter coerência interna mesmo quando a cronologia da história não acompanha a cronologia da rodagem. A experiência televisiva trouxe-lhe também consciência da relação direta entre exposição e reconhecimento público. A presença numa série de grande circulação altera a forma como é vista na rua, nas redes sociais e dentro do próprio setor. Ainda assim, evita reduzir o trabalho à dimensão da visibilidade e reconhece que o contacto com novos públicos é uma consequência natural do trabalho, não necessariamente um objetivo isolado.

Apesar da visibilidade, Ulé faz parte do conjunto de artistas que, não raras vezes, se veem confrontados com uma das questões mais persistentes do setor: a instabilidade. A presença em produções com ampla circulação pública não equivale, proporcionalmente, à continuidade profissional. Entre um projeto e o seguinte, por vezes instalam-se intervalos que podem ser longos o suficiente para comprometer a estabilidade financeira. “Achei que, depois do primeiro filme, ia conseguir muitos trabalhos”, recorda. A expectativa esbateu-se perante a realidade de um mercado onde os castings nem sempre circulam de forma plenamente aberta e onde o acesso às oportunidades depende, em muitos casos, de outras redes.

Representada pela agência Eleven Dot Eight, reconhece a estrutura profissional como decisiva para navegar no meio e assume que “é mais fácil se tivermos alguém que nos guie”, sublinhando que a delegação da gestão estratégica lhe permite concentrar-se na preparação artística. A entrada no setor, que inicialmente se fez através de contactos informais e redes sociais, tornou evidente a importância de mediação profissional para garantir continuidade.

A necessidade de mediação profissional não elimina, contudo, a vulnerabilidade estrutural do setor. Pode organizar o percurso, ampliar o acesso a audições e negociar condições, mas não altera o facto de a produção nacional continuar dependente de ciclos de financiamento irregulares e de um mercado reduzido. “É preciso haver uma mudança urgente”, afirma, numa alusão às condições salariais e à dificuldade de um jovem ator viver exclusivamente da sua arte. Mesmo após a distinção da Academia Portuguesa de Cinema, reconhece que o prémio representou validação institucional, mas não significou estabilidade financeira. A intermitência entre projetos mantém-se e, com ela, a necessidade de conciliar a vocação artística com outras formas de rendimento. 

Com os influencers a ocupar grande parte do digital, e em alguns casos a chegar a meios como a televisão, a discussão sobre uma eventual substituição surge como exemplo mais amplo das transformações do mercado. Ulé não dramatiza o fenómeno, mas reconhece que as decisões de produção estão cada vez mais atravessadas por métricas de alcance e notoriedade prévia. Ainda assim, insiste que a permanência deve depender do trabalho sustentado. “Se parar aí, ainda é pior”, diz, como quem recusa a lógica de que a competição mediática invalida o investimento na formação e na prática continuada, postura que articula na forma como encara o futuro.

A preparar a estreia na série “Desnorte”, realizada por Jorge Paixão da Costa que comporá a grelha da OPTO/SIC ainda este ano, repete a palavra “expansão” como objetivo de futuro. Aprofundar técnica, experimentar linguagens que exijam maior domínio corporal e vocal e integrar projetos internacionais que a confrontem com outros métodos de trabalho são algumas das metas que tem em mente, numa trajetória que aponta para o teatro musical como extensão natural de um percurso que começou na imagem e encontrou no palco um espaço de liberdade física. 

A forma como projeta o futuro não se separa, contudo, da ideia que tem sobre o papel da arte. Em tempos marcados pela polarização, defende que o trabalho artístico não deve impor leitura fechada e que deve ser medido pela capacidade de provocar reflexão. Se o público sai da sala ou desliga o ecrã a pensar no que viu, o objetivo foi alcançado e a arte cumpriu a sua função. “A arte deve ser neutra para dar espaço ao espectador”, conclui.